Foire Aux Questions

Quand il n’y a pas de lumière dans un endroit, on dit qu’il fait noir. En photographie, il faut se souvenir que le noir n’est pas une couleur, mais bel et bien une absence de lumière. On peut donc conclure qu’on ne perçoit pas de couleurs sans la présence de lumière.

À l’inverse, le blanc non plus n’est pas une couleur, mais plutôt un mélange de toutes les couleurs visibles. Et même si les objets qu’on trouve blancs sont toujours «blancs», ils ne sont pas toujours éclairés par le même mélange.

C’est pourquoi on doit considérer la balance de blancs quand on veut un tant soit peu contrôler les couleurs des photos que l’on fait.

Il existe tout un spectre de lumière perceptible par l’oeil humain et le capteur d’une caméra numérique. Le type de lumière qui s’offre à vous influencera grandement les couleurs que vous verrez et celles que votre caméra enregistrera.

Un blanc bleu, rose, jaune?
Les caméras ont besoin d’un blanc de référence pour reproduire les couleurs que vous voyez dans la réalité sur les photos que vous prenez. On écrit ici les couleurs que vous voyez, justement parce que le cerveau fait un effort constant pour adapter la lumière qu’il perçoit en fonction des couleurs qu’il a l’habitude de percevoir.

Le mode automatique de balance des blancs performe bien dans la majorité des situations. Quand il s’agit de reproduire des couleurs spécifiques sur vos photos, il vaudra peut-être mieux pour vous de choisir la balance de blancs en fonction de la source lumineuse ou de prendre une mesure spécifique d’un ton neutre, gris ou blanc, dans l’éclairage où vous faites les photos.

Pour une mesure extrêmement précise de la température de couleur, les experts iront jusqu’à utiliser un colorimètre.

Attention aux sources mixtes
Si vous êtes dans une situation où de la lumière du jour entre par les fenêtres et qu’une lampe sur pied «réchauffe» une table, le tout dans une pièce qui a des tubes fluorescents au plafond, votre caméra et vous jonglez avec trois sources de lumière et de températures de couleur différentes.

Il vaudra sans doute mieux pour vous de faire quelques essais avec des réglages de balances de blancs différents pour bien capturer l’ambiance de l’endroit et donner à votre image le caractère que vous voulez.

Vous pouvez choisir la balance de blancs qui éclaire votre sujet principal si vous souhaitez que celui-ci soit très précis, mais le reste du décor sera alors plus ou moins étrange, selon le mélange. Sinon, vous pouvez vous en remettre au mode automatique, qui cherchera un compromis heureux. De nos jours, les réglages AUTO donnent des résultats raisonnables dans la plupart des conditions.

Dans tous les cas, peu importe que vous fassiez la balance de blancs manuellement ou automatiquement, vos résultats seront meilleurs si vous avez une seule source de lumière. C’est souvent la meilleure solution.

On divise les amateurs de photo en plusieurs catégories. Les appareils photo aussi. Pour faire un choix, il faut examiner les principales caractéristiques techniques des appareils et les possibilités qu’ils offrent.

Regardons d’abord deux grandes familles: les caméras à objectif unique et les caméras à objectifs interchangeables.

Les compacts et caméras à objectif unique
Qu'elles soient petites ou grosses, les caméras à objectif unique tentent de couvrir tous les besoins en un seul morceau d'équipement. Elles sont habituellement munies d’un objectif zoom qui a un angle de prise de vue assez large pour photographier quelques personnes à l’intérieur, et qui rapproche suffisamment pour capter des visages en gros plan et des objets un peu éloignés.

Si vous êtes fortement convaincus que vos besoins ne changeront jamais ou très fermes sur l'argent que vous voulez investir en équipement photo, ces caméras-là sont pour vous.

Surtout que ce choix ne vous impose aucun compromis de qualité! Vous pouvez acheter des appareils dans cette catégorie munis de lentilles très précises et de tous les réglages sophistiqués que vous désirez.

Ces appareils offrent l’avantage d’être plus petits et faciles à emporter dans toutes les situations: voyages, excursions, marche à pied, visite chez des amis, sorties, etc. On en trouve pour tous les budgets.

Vous voudrez aussi jeter un coup d’oeil au choix croissant d’appareils hybrides, conçus pour combiner les avantages des appareils à objectifs fixes tout en offrant des objectifs interchangeables légers et très portables.

Les caméras à objectifs interchangeables: le DSLR
Les appareils à objectifs interchangeables sont l’équivalent de qu’on appelait autrefois un «35mm». Ces appareils sont conçus pour fonctionner au coeur d’un système qui compte plusieurs accessoires externes tels que des flashes, des trépieds, des accessoires de toutes sortes, mais surtout une variété d’objectifs qui sont conçus pour toutes les situations photographiques.

Si vous aimez l’architecture, les portraits, les oiseaux, les paysages, le sport, il y a des objectifs fabriqués sur mesure pour faire des photos remarquables dans chacune de ces situations.

Ce sont aussi les caméras qui sont les plus répandues chez les amateurs de photo. Elles bénéficient donc d’accessoires et de perfectionnements technologiques qui évoluent constamment.

Non seulement vous aurez en main un appareil de très bonne qualité utilisable pendant plusieurs années, mais si vous avez le goût de vous intéresser davantage à la photographie, cette famille de caméras offre des modèles de base aussi bien que des appareils assez robustes et performants pour les professionnels.

Elles s'adressent à vous si vous pensez que vos besoins pourraient évoluer, ou si vous êtes parmi les passionnés qui sont toujours à l'affût de faire de nouvelles images et de repousser leurs limites.

L’ouverture, la sensibilité et la vitesse sont les trois éléments essentiels qui contrôlent l’exposition d’une photo.

Tout l’art et la technique de la photo résident dans votre capacité de jongler avec ces trois valeurs, et leur effet sur le rendu de vos images.

L’ouverture
Tous les objectifs de caméras sont munis d’un diaphragme qui imite l’iris d’un oeil humain. Le diaphragme s’ouvre grand ou se referme plus petit pour laisser passer plus ou moins de lumière.

L’ouverture du diaphragme est graduée en crans, selon une formule mathématique qui provient de la taille de l’ouverture. Cette formule est une fraction. Les petits chiffres correspondent aux grandes ouvertures, et les gros chiffres aux petites ouvertures.

On dit qu’il y a un cran, ou un EV, entre les valeurs d’ouverture telles que 2, 2.8, 4, 5.6, 8, 11 et 16.

L’effet de l’ouverture?
Changer l’ouverture modifie la profondeur de champ, cette zone de l’image où il n’y aura pas de flou. Quand le diaphragme est grand ouvert, la zone de netteté est très limitée. Quand le diaphragme est refermé, la zone qui est nette devient très profonde.

Crédit pour la photo de l’ouverture: Jean-Jacques MILAN/Wikimedia Commons

La sensibilité
La sensibilité est le facteur d’amplification qu’on applique au capteur pour capturer la lumière disponible quand on appuie sur le déclencheur. Elle s’exprime en ISO. Plus l’index ISO est élevé, plus la caméra est sensible à la lumière. Chaque fois qu’on double la valeur ISO, on gagne un cran, ce qui permet de bâtir des équivalences entre le facteur ISO et l’ouverture.

L’effet de la sensibilité?
Si on augmente beaucoup la sensibilité du capteur, on fait un compromis sur la qualité globale du rendu de l’image.

La vitesse
La vitesse d’obturation déterminera la durée du «clin d’oeil» pendant lequel se prend la photo. On l’exprime en fraction de seconde. Chaque fois que la vitesse double ou diminue de moitié, l’effet sur l’exposition est de un cran, ou un EV.

L’effet de la vitesse?
Plus la vitesse sera courte, plus on figera le mouvement dans une courte fraction de seconde. Si on allonge la vitesse de prise de vue, on risque un flou provenant du mouvement de la caméra ou du mouvement du sujet.

Chacun de ces facteurs est dépendant des deux autres. Si on modifie une valeur d’un cran à la hausse, il faudra que l’un des deux autres change à la baisse pour que la photo soit encore bonne. Les caméras automatiques font ces ajustements seules, mais si vous observez leur action, vous ne tarderez pas à commencer à penser en photographe.

Ces trois notions assez simples en soi deviennent compliquées quand on essaie de les appliquer dans un environnement où on n’a aucun contrôle sur le matériel brut avec lequel tous les photographes travaillent: la lumière.

Hors d’un studio, quand on veut faire des photos dans des conditions «vraies», la quantité de lumière disponible réduira de beaucoup l’étendue des possibilités à la prise de vue. Par exemple, il sera très ardu de figer le passage d’une voiture dans la rue en soirée si elle est éclairée uniquement par des lampadaires. Généralement, plus on a de lumière, plus on a de flexibilité. Mais ce n’est qu’un début….

Si nous vivions dans un monde parfait, toutes les photos seraient prises avec une caméra sur trépied. La raison est bien simple: la stabilité, un facteur important de la netteté.

C’est un principe de base: plus l’appareil est stable, plus grande sera la capacité de l’obturateur de stopper le mouvement et de donner une image où chaque petit détail est clair et précis. C’est la signature d’un photographe qui maîtrise sa technique.

Bien sûr, plusieurs photographes diront qu’un trépied est un accessoire plutôt encombrant et laborieux à traîner, mais il n’en demeure pas moins que rien ne peut le remplacer quand il s’agit de rendre votre appareil immobile le temps d’une photo. Sans compter que si vous faites aussi de la vidéo, son rôle est encore plus important.
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De toutes les tailles et de tous les prix
Les trépieds varient en poids et en qualité selon leurs fonctions. Si vous faites surtout du studio, vous choisirez un trépied surtout pour sa stabilité sans égard au poids. En revanche, si vous faites beaucoup de photo à l’extérieur, il vaudrait la peine de considérer les trépieds en fibres de carbone et autres matériaux plus coûteux mais beaucoup plus légers. Si vous transportez beaucoup votre équipement, votre dos et vos épaules profiteront de l’investissement!
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En voyage, on peut opter pour un mini-trépied ou même se débrouiller en plaçant la caméra sur une surface stable, mais cela peut vous obliger à choisir une position de caméra qui n’est pas tout à fait celle que vous cherchez. On trouve aussi des mini-trépieds aux pattes articulées de même que des monopodes qui peuvent être utiles dans certaines conditions.
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La plupart des trépieds ont des systèmes d’attache rapide qui vous éviteront d’avoir à visser et dévisser votre appareil à chaque fois. Enfin, dans le haut de gamme, on trouve des trépieds avec des têtes interchangeables qui s’adaptent au type de photographie que vous pratiquez ou encore à vos préférences personnelles.
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D’une bonne photo à une photo parfaite...
Évidemment, il y a des circonstances où les photos prises à main levée conviennent parfaitement, mais quand vous recherchez ce petit quelque chose de spécial, une photo sur trépied aura toujours le dessus sur une photo prise à main levée, même si ça prend parfois une loupe pour voir la différence!
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Au final, vous voudrez sans doute faire un compromis entre la stabilité et la portabilité. Votre expérience et les conseils de votre marchand Zone Image vous permettront de faire un choix avisé.

Les fichiers JPEG sont partout. Toutes les caméras numériques utilisent ce format. On peut les partager avec ses amis, les imprimer partout, et les sauvegarder sur tous les types d’ordinateurs. En fait, le JPEG est de très loin le standard le plus répandu pour les fichiers d’images.

Les fichiers JPEG peuvent être plus ou moins précis selon la taille et la précision que vous choisissez dans votre appareil. Plus vous demandez de précision et plus vous optez pour une image de grande dimension, plus il y aura de points (des pixels) qui composeront votre image. Évidemment les fichiers de haute qualité sont plus lourds. Auparavant, c’était une préoccupation.

Avec les capacités de mémoire qu’on trouve aujourd’hui sur les cartes mémoire et les disques durs d’ordinateur, il ne vaut plus la peine de limiter ni la taille, ni la précision de vos images. Nous vous recommandons de toujours choisir le format JPEG maximum de votre caméra, de façon à en tirer la meilleure qualité possible.

Prenez le contrôle total
Les DSLR ainsi que les hybrides et compacts plus raffinés offrent aussi la possibilité de sauvegarder les images en format RAW. Ce type de fichier n’est pas une image proprement dite mais plutôt une sauvegarde de tout ce que le capteur de votre appareil a «vu» lors de la prise de vue.

L’utilisation de fichiers RAW est une première étape vers la prise de contrôle de vos images. En termes automobiles, c’est un peu comme jeter un premier coup d’oeil sous le capot...

Quand votre caméra fait un fichier JPEG, elle traite l’information brute provenant du capteur en utilisant des procédés de traitement d’image qui donnent la meilleure photo possible. En fabriquant ce fichier, l’appareil effectue aussi de la compression et ne conserve que les données utiles, ce qui donne un fichier moins volumineux.

Un laboratoire numérique
Les photographes qui choisissent de faire des fichiers RAW se retrouvent avec des fichiers beaucoup plus lourds, et contournent une partie du traitement fait dans la caméra. Ils doivent faire un post-traitement de leurs images, ce qui requiert l’un des nombreux logiciels et gratuiciels destinés à cette fin. Il en existe plusieurs excellents, et nous y reviendrons dans une autre rubrique.

Les ajustements qu’ils peuvent faire sont beaucoup plus importants parce que, justement, ils ont gardé toute l’information que le capteur a enregistré. Cela ressemble beaucoup aux photographes d’autrefois qui avaient leur propre chambre noire. Le procédé était plus exigeant, mais permettait un meilleur contrôle sur le résultat final. Un peu comme si le fichier RAW était un «négatif» conservé pour usage futur.

Si vous songez à faire de la photo un passe-temps plus sérieux un jour, vous allez sans doute faire des fichiers RAW éventuellement. Et si votre équipement le permet, vous devriez commencer maintenant.

Le meilleur des deux mondes
Certaines caméras permettent même de sauver vos images sous les deux formats. Ainsi, si vous le souhaitez, vous pouvez avoir le meilleur des deux mondes. Des JPEG que vous partagerez à votre guise et des RAW que vous pouvez sauvegarder pour les traiter dans l’avenir.

La photo numérique est une chaîne qui comporte plusieurs maillons, votre conseiller Zone Image peut vous aider à choisir votre procédé, vos appareils et vos logiciels selon vos intérêts et votre style de photo.

Parmi les qualités que les gens reconnaissent à une bonne photo, la plus souvent mentionnée est la netteté. Peu importe que le sujet soit un paysage, une personne, ou un objet, une bonne photo nous permet de voir le sujet avec précision et clarté, sans le moindre flou.

C’est donc important de s’assurer qu’on possède une caméra équipée d’un objectif de bonne qualité et dont la mise au point est très précise, peu importe qu’elle soit manuelle ou automatique. Heureusement, il y a des appareils photo dans toutes les gammes de prix qui répondent à ces exigences.

Mais il faut surtout comprendre que la première condition pour avoir une photo nette, c’est que la caméra soit absolument immobile au moment du déclenchement.

S’il vous est déjà arrivé de jouer avec un petit pointeur laser vous savez à quel point c’est difficile de tenir le point immobile: le moindre mouvement de votre main, même le tremblement normal de votre corps, va faire sautiller le point. Ces petits soubresauts vous permettent de voir en direct à quel point il est difficile de tenir un objet rigoureusement immobile, comme une caméra par exemple.

Vous êtes le trépied
Dans un monde parfait, nous prendrions toutes nos photos sur trépied tout le temps. C’est sûr qu’on y gagnerait en netteté, mais on y perdrait beaucoup sur le plan de la spontanéité, de la mobilité, de la commodité d’utilisation, bref, plusieurs des éléments qui font partie du plaisir de photographier.

On peut améliorer les photos prises à la main en utilisant quelques trucs très simples. D’abord, évaluez toujours la possibilité d’utiliser une vitesse plus élevée, quitte à augmenter la valeur ISO.

Mais songez aussi que la façon dont vous agrippez la caméra et vos gestes au moment du déclenchement sont eux aussi très importants.

La meilleure façon de bien supporter la caméra est de placer une main dessous, de façon à former une plate-forme, vos doigts seront libres pour manipuler la bague de zoom. Vous utiliserez l’autre main pour déclencher ou ajuster les réglages de prise de vue. S’il y a une structure, une table ou un quelconque objet solide tout près, songez à vous en servir comme appui. N’oubliez pas: vous cherchez de la stabilité. Sinon, collez vos coudes contre votre cage thoracique et détendez-vous...

Pas besoin d’écraser le déclencheur
Dans un deuxième temps, il s’agit de vous assurer que vous ne transmettez pas de mouvement à la caméra en déclenchant, car c’est justement le pire moment pour bouger! Habituez-vous à ne jamais déclencher nerveusement, de façon précipitée, même si vous tentez de capter un sujet en mouvement.

Quand c’est possible, utilisez la technique des tireurs d’élite: ralentissez votre respiration, faites un effort conscient pour vous calmer, et déclenchez en expirant très doucement. Vous obtiendrez de meilleures images à tout coup!

Votre sujet est choisi, le cadrage est bon. Vous pensez avoir la photo que vous cherchez. Vous déclenchez, vous regardez sur le moniteur. Ce n’est pas tout à fait ça…
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Peut-être est-il temps de débrayer le mode «tout automatique» (souvent coloré en vert) de votre appareil et tenter de réaliser les photos que vous imaginez.

Si vous en êtes à vos débuts, les modes automatiques vous permettent de faire vos premiers pas dans le but de mieux contrôler vos résultats photographiques.
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P, S, A, M, Tv, Av?
Si ces lettres sont sur votre caméra, c’est que vous avez la possibilité de contrôler l’ouverture de l’objectif et la vitesse de vos prises de vues. Résumons ce que chacune de ces lettres peut faire pour vos photos.
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P pour Program
C’est le mode complètement automatique. L’appareil choisit la vitesse et l’ouverture nécessaires pour une exposition correcte, selon l’ISO. (Certains modes AUTO vont jusqu’à modifier l’ISO si requis.) Si le choix de l’appareil ne vous convient pas, vous pouvez moduler en modifiant l’un des deux facteurs. Le petit génie de la photo qui est caché dans la caméra ajustera l’autre paramètre en conséquence.
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Quand l’utiliser? Quand vous ne contrôlez pas l’environnement où vous êtes, le mode Program vous donnera la meilleure photo possible.
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Ce que ça fait: Des photos correctes, dans 95% des situations.
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S ou Tv pour la vitesse
Cette fois, vous choisissez la vitesse et la caméra ajuste l’ouverture pour avoir une bonne photo.
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Quand l’utiliser? Pour des photos de sport, pour arrêter le mouvement ou le montrer dans vos images.
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Ce que ça fait: Vos photos peuvent être très différentes selon la longueur de l’exposition. À haute vitesse, le mouvement sera figé. À basse vitesse, elles seront marquées par le passage du temps d’une seconde, avec des éléments flous s’ils ont bougé pendant votre photo.
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A ou Av pour l’ouverture Vous choisissez l’ouverture et la caméra change la vitesse de prise de vues.
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Quand l’utiliser? Pour des paysages ou des portraits, pour préserver la netteté dans l’image ou sur un élément en particulier
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Ce que ça fait: Cette fois, vous choisissez la profondeur de netteté dans l’image, on préférera une petite ouverture pour un paysage, laissant une grande zone de netteté, ou une plus grande ouverture pour isoler un élément net avec un arrière-plan flou.
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M pour manuel
Vous choisissez la vitesse et l’ouverture. La caméra vous laisse travailler librement, à vos risques… La plupart des caméras vous indiquent toutefois si vous êtes loin d’une bonne exposition grâce à une échelle graduée dans le viseur ou sur l’écran de la caméra.
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Quand l’utiliser? Pour des photos de studio ou quand vous avez tout le temps d’essayer plusieurs expositions.

Ce que ça fait: Vous avez le contrôle total de ce que vous faites. Vous devenez alors le seul responsable de vos succès, autant que de vos échecs!

Ah! Les paysages… Ils évoquent de beaux souvenirs, des moments précieux où on se contente de regarder devant soi et de se laisser bercer par un lieu, respirer la sérénité, et se permettre le simple plaisir d’admirer les merveilleux coups d’oeil qui nous sont offerts par la nature, et même parfois par les constructions des humains.

Sans gâcher la spontanéité du moment, il faut quand même retenir quelques principes photographiques si on veut que nos images communiquent bien la sensation que l’on éprouve. Donc une fois que vous avez absorbé toute l’émotion d’un lieu magnifique et inspirant, voyons comment on peut s’assurer de ramener une image qui soit à la hauteur de nos souvenirs.

Pensez d’abord au sujet, donc au cadrage et à la composition. C’est particulièrement difficile quand on regarde un paysage d’isoler un sujet en particulier, d’autant plus que ce n’est pas toujours nécessaire.

Qu’y a-t-il à l’horizon?
Évidemment, s’il y a dans votre paysage un élément qui domine, il faudra en tenir compte. Ce peut être un pic montagneux, le soleil couchant, un arbre solitaire, un édifice, tous des éléments qui se fondent dans l’ensemble mais qui donnent du caractère à votre image. Habituellement, l’éclairage ou la géométrie vont vous permettre d’identifier quel élément dominant vous voulez utiliser pour «ancrer» votre photo, même si on verra un plan d’ensemble.

Il faut ensuite prendre une décision quant à l’horizon. Généralement, à moins de vouloir donner un effet de symétrie, il n’est pas souhaitable que la ligne d’horizon soit au centre de la photo. Si vous acceptez ce principe, la décision qui suit est facile: est-ce que c’est le ciel qui m’inspire dans ce paysage ou si c’est le décor qui s’ouvre devant moi? Répondre à cette question, c’est décider où sera l’horizon dans le cadre.

You’ll also need to make a decision about the horizon. Unless symmetry is your goal, it’s not usually wise to locate the horizon at the center of the frame. If you agree with this basic rule, the next decision is Les paysages sont habituellement photographiés au grand angle, ce qui permet de bien communiquer l’envergure de ce que l’on veut montrer. Prenez le temps de bien regarder la scène et songez à la possibilité de recadrer au post-traitement si vous souhaitez donner un effet panoramique. La nature ne fabrique pas des paysages standard pour correspondre au ratio largeur/hauteur de votre caméra!
easy: which is more important visually? The sky above or the ground in front of me? Answer this question and your horizon line goes wherever it allows you to show more of the prime subject.

Montrez la profondeur
C’est aussi tout un défi de traduire un sujet en trois dimensions sur une image en deux dimensions. Recherchez des moyens de montrer la profondeur. C’est plus facile si vous avez une rivière ou une route qui serpente dans le décor, mais recherchez aussi la possibilité d’inclure des éléments à l’avant-plan. Ils aident l’observateur à percevoir la distance.

Encore mieux, si vous êtes capable d’inclure des humains, ou des objets à taille humaine tels que chaises, bancs, clôtures, etc., vous fournissez à l’observateur des indices de la profondeur et des dimensions.

Enfin, prenez le temps d’apporter et d’utiliser votre trépied. Les paysages sont habituellement assez statiques: ce serait dommage de tout rendre flou à cause d’une caméra tenue à la main.

Qu’on aime en faire ou pas, les photos de groupe sont incontournables. Tout rassemblement de famille ou autre activité un peu solennelle finit toujours par requérir une photo de ceux qui étaient là, regroupés en rang plus ou moins organisés. Voici six trucs pour que les vôtres soient les meilleures, que vous ayez un réflex numérique professionnel ou un tout petit appareil compact.
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1. L’arrière-plan
Une photo de groupe réussie permettra à tous ceux qui apparaissent dessus de se rappeler l’occasion ou l’endroit où ils étaient lors de la photo. Il est donc toujours approprié de trouver un endroit symbolique pour rassembler les gens et faire la photo.
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Si c’est la fête de quelqu’un, placez-le au centre avec un accessoire ou un cadeau qu’il a reçu cette journée-là. Si le décor est enchanteur, placez votre groupe devant le paysage. Si l’événement a lieu dans un hôtel, cherchez un escalier, une fontaine ou un lustre pour «habiller» votre arrière-plan.
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Prenez garde au soleil si vous êtes dehors. Gardez-le à gauche, à droite, ou derrière vous, s’il n’est pas trop intense. Cela vous préservera d’une photo à contre-jour.
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2. L’attitude
Pour réussir une photo de groupe, il faut réussir à faire passer un moment agréable à chaque individu de ce groupe. C’est le rôle du photographe d’attirer l’attention de tous ceux qui seront dans la photo. Une blague, un chapeau, un grand cri, c’est à votre tour de faire l’animateur de foule pour que tout le monde ait l’air content de se faire prendre en photo.
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Si vous êtes d’un naturel timide, dites-vous que vous faites le pitre pour les besoins de la photo. Même si vous n’êtes pas sûrs de votre blague, faites-la quand même… Demandez au groupe de répéter un mot qui se termine en «i», pour avoir des sourires. C’est le résultat à l’écran qui compte et non la grandeur de votre performance.
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3. Le groupe
L’essentiel ici est de vous arranger pour que tous les visages soient visibles. Demandez aux très grands de s’asseoir devant ou de se placer à l’arrière. Dites à tout le monde de se serrer un peu plus le temps de la photo et assurez-vous que vous remplissez votre cadre avec des personnes et non avec le décor.
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4. Les regards
Il est parfois difficile d’avoir l’attention de tout le monde surtout si votre groupe compte plus de dix personnes. Une fois que toutes vos personnes sont en place et que vous êtes satisfaits du cadrage, expliquez à tout le monde comment vous ferez la photo.

Vous leur demandez de regarder un objet qui est à votre gauche, et de regarder au-dessus de votre tête quand vous le direz. On vous suggère de parler d’un endroit à gauche parce que vous pourrez le pointer sans enlever votre doigt du déclencheur.

5. Le flash
Si vous êtes à moins de dix pieds de votre groupe et que vous faites votre photo à l’extérieur, il peut être utile de forcer le flash de votre caméra. Cela donnera un meilleur éclairage à vos sujets sans créer des ombres fortes sur les personnes qui se trouvent au deuxième rang.
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Pour un grand groupe, ne comptez pas sur votre flash pour éclairer tout le monde. Même si vous êtes à l’intérieur, choisissez l’endroit le plus éclairé possible. Vous ne voulez surtout pas que les personnes du groupe soient floues parce qu’elles ont eu le temps de bouger pendant la prise de vues.
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6. Un petit banc!
Sur un tabouret, une chaise, un escabeau, mais trouvez le moyen de vous élever un peu audessus du groupe. Cela vous donnera un meilleur angle de vue sur tous les rangs, en plus de faire lever la tête à tous vos sujets. Un angle toujours plus flatteur pour ceux qui n’aiment pas leur double menton...

Les grandes marques offrent de plus en plus de nouveaux modèles «plein capteur». Y a-t-il de quoi inquiéter les millions d'amateurs qui se sont procurés des appareils DSLR au cours des dernières années munis de capteurs moins grands? Les caméras munies de capteurs plus petits sont-elles dépassées?

Il faut d'abord se souvenir que l'expression «plein capteur» n'a rien à voir avec la photo numérique mais renvoie bel et bien à l'époque du film argentique. Le format 35mm, qui influence encore aujourd'hui la taille de toutes les caméras, permettait de former sur la surface du film une image de 24mm x 36mm. C'est de cette dimension dont on parle quand on utilise l'expression «plein capteur». Les capteurs plus petits, appelés DX ou APS-C ou autres, sont relativement plus petits, mais ils équipent la vaste majorité des appareils DSLR vendus dans les 10 dernières années.

Bien sûr, l'avantage d'avoir un capteur plus gros, c'est qu'il est plus facile d'y loger un grand nombre de pixels. Il y aura toujours un avantage d'avoir des capteurs encore plus grands, mais il y a des limites pratiques. C'est une question de prix, évidemment, mais aussi de taille de caméra.

De combien de pixels et de quelle taille de capteur avez-vous vraiment besoin?
La réalité, c'est que les «petits» capteurs DX ou APS-C sont capables de faire d'excellentes photos. Les caméras de ce type sont plus légères, prennent moins de place et permettent de multiplier par 1,5 fois le facteur zoom de vos objectifs téléphoto. Et ils sont capables d'utiliser tout aussi bien des objectifs de type FX ou DX (Ce sont les appellations de Nikon. Les autres fabricants ont des noms différents qui représentent le même type d'objectifs.) Les boitiers à «petits» capteurs ont des composantes électroniques tout aussi avancées que les pleins capteurs. Parce que leur capteur est plus petit, il est moins couteux de fabriquer des objectifs de qualité. Enfin, ils sont capables d'offrir une excellente qualité d'image, les modèles les plus récents étant dotés de capteurs de 24 millions de pixels.

Quant au plein capteur, il permettra aux photographes d'expérience de retrouver des longueurs focales plus familières puisque les désignations seront les même que «dans le temps du film». Il y aussi un avantage a avoir des pixels plus gros, puisque ceux-ci auront plus facilement une sensibilité élevée et une capacité élargie de composer avec des écarts lumineux. Dans des conditions de prise de vue égales, le plein capteur donnera aussi une image plus nette, plus facile à agrandir, mais rien de tout cela n'est vraiment apparent sur une photo de 11" x 14" vue à une distance normale.

Enfin, les capteurs plus grands donneront naturellement une profondeur de champ plus restreinte: un avantage si vous souhaitez isoler vos sujets ou obtenir un maximum de bokeh, mais un désavantage si vous souhaitez que davantage d'éléments de votre sujet soient dans la zone de netteté.

En somme, votre choix dépendra de votre type de photographie, de votre budget, et de la destination finale de vos photos. Votre meilleur conseiller à ce sujet est derrière le comptoir du magasin Zone Image le plus près de chez vous.

Beaucoup de photographes se posent la question: Photoshop ou Lightroom? Un peu comme si les deux logiciels faisaient la même chose. Or, même s'il s'agit de deux logiciels très populaires auprès de bien des photographes, ils sont très différents. On devrait plutôt parler de deux sentiers parallèles ayant la même destination, chacun ayant ses avantages et ses difficultés.

Pour les amants de la photo, les fichiers numériques ouvrent la porte à tout un éventail de post traitements créatifs. Photoshop et Lightroom sont très différents, mais tous les deux sont capables d'ajuster vos images avec aisance. Si vous utilisez l'un ou l'autre et ne vous butez pas à des limites que vous souhaitez dépasser, vous préfèrerez sans doute rester avec le logiciel que vous connaissez le mieux. Après tout, l'expérience accumulée et la facilité d'utilisation sont des critères de choix très valides pour choisir un logiciel.

D'ailleurs, Photoshop et Lightroom sont tous deux capables d'éditer les fichiers les plus communs: des JPEG, des TIFF, des PNG, IMG ou autres. Tous les deux aussi traitent des fichiers RAW, qui sont d'ailleurs, dans les deux cas, traités avec le même engin: Adobe Camera Raw. Leurs capacités de recadrage et de manipulation d'images sont tout-à-fait comparables pour la majorité des photos.

La différence la plus importante: le traitement des fichiers
Photoshop fonctionne comme beaucoup de logiciels connus. On ouvre un fichier, on le traite, et on le sauve avec les modifications. Comme un fichier Word ou Excel. Si vous désirez plusieurs versions d'une même photo, par exemple une noir et blanc et une couleur, ou encore une pour diffusion sur le web et une autre pour faire imprimer, ou encore une version originale avec tous les cousins et une recadrée avec votre oncle en gros plan, vous allez devoir enregistrer sous et organiser vos fichiers dans des dossiers pour les retrouver facilement. Et il est très important de ne jamais écraser le fichier original, car il sera perdu à tout jamais.

De plus Photoshop travaille toujours sur des fichiers originaux qui sont devenus, avec les capteurs de 24, 36 et 40 mégapixels, assez lourds. Il exige donc un ordinateur musclé.
Si, par exemple, vous transformez 10 photos couleur en noir et blanc et voulez garder vos originaux, vous vous retrouverez en fin de course avec 20 fichiers, soit 10 images couleur et 10 images noir et blanc.

Lightroom est un éditeur paramétrique, ce qui signifie qu'il ne modifie jamais le fichier original mais conserve plutôt la "recette" que vous avez appliquée dans deux fichiers pour l'ensemble de vos photos. Pour reprendre l'exemple de tantôt, si vous transformez 10 photos couleur en noir et blanc et voulez garder vos originaux, vous vous retrouverez en fin de course avec 12 fichiers, soit 10 images couleur et deux fichiers qui se souviennent des paramètres de correction appliqués à chacune. Bien sur, la différence entre 12 fichiers et 20 est minime, mais songez à la différence entre 25 002 fichiers et 50 000! En prime, Lightroom offre des méthodes de classement et de traitement de photos qui sont rapides comme l'éclair et assure, si vous l'employez bien, un tri impeccable de vos images ainsi qu'une sauvegarde robuste.

Pourquoi pas toujours Lightroom alors?
Le diable est dans les détails, ainsi que dans les 2%, 3% ou 5% de photos qui exigent absolument la puissance de Photoshop pour être créées, car c'est bien là la différence: dans l'édition d'image, Photoshop est beaucoup plus puissant que Lightroom.
Photoshop offre du détourage plus précis, une infinité de caches, et des outils de filtration archi-détaillés. Par contre, il est beaucoup plus complexe à maitriser, exige un ordinateur très puissant, crée des fichiers énormes et exige beaucoup de rigueur dans votre façon de classer vos photos.

Heureusement, il est possible d'utiliser les deux puisque Lightroom permet aujourd'hui de traiter des images dans Photoshop sans renoncer à ses outils remarquables de classement.

Les deux logiciels sont donc complémentaires à bien des égards. Si vous commencez à approfondir votre exercice de la photo, Lightroom est plus rapide et traitera presque toutes vos photos sans bavure. Et grâce à son ouverture sur Photoshop, il vous permettra toujours d'ajouter des traitements plus complexes à votre arsenal le jour venu. Si vous débutez, la question de l'un ou l'autre à une réponse simple: l'un et l'autre.

En revanche, si vous possédez une connaissance profonde de Photoshop et la rigueur requise dans le classement de fichiers, l'apprentissage de Lightroom ne vous donnera pas de meilleures images. Mais pour la plupart de vos opérations, vous irez définitivement plus vite.

Les téléobjectifs font rêver beaucoup de photographes. Ils sont capables de rapprocher les sujets lointains comme s’ils étaient tout près de nous. C’est vrai qu’ils peuvent vous rendre la vie plus facile, à condition de bien les utiliser.

Un peu comme quand on regarde dans des jumelles ou un télescope, l’usage d’un téléphoto exige beaucoup de stabilité. C’est le temps de vous munir d’un trépied ou, au minimum, d’un monopode. Car plus le grossissement est important, plus les moindres petits mouvements que vous transmettez à la caméra seront amplifiés, au risque de causer des flous.

Le fait que le téléobjectif se comporte comme un télescope demeure malgré tout son principal atout. Les sujets lointains apparaissent soudainement plus rapprochés, et plus faciles à photographier en gros plan.

Des effets très intéressants
Les longs téléobjectifs sont donc très utiles pour photographier la faune: que ce soit pour éviter d’effrayer les oiseaux, ou encore pour se protéger d’animaux potentiellement plus dangereux, ils permettent au photographe de rester éloigné de son sujet.

Les téléobjectifs de longueur moyenne peuvent aussi être utiles pour photographier les gens sans trop s’approcher d’eux. Que ce soit pour faire des portraits à leur insu, ou encore pour éviter d’intimider vos sujets en vous approchant trop près, le téléobjectif est un atout important. Il permet aussi de photographier en gros plan des petits détails.

Le téléphoto a un impact important sur la perspective. Les objets photographiés au télé semblent avoir très peu d’espace entre eux. Ils peuvent donner une impression de foule même si les gens sont un peu éparpillés, rapprocher les troncs d’arbre pour qu’une forêt ait l’air plus dense, ou encore donner aux plate-bandes de fleurs une allure dense, saturée et richement colorée.

Enfin, les objectifs téléphoto ont peu de profondeur de champ, ce qui permet de facilement faire la mise au point sur un sujet principal tout en brouillant l’arrière-plan et l’avant-plan. Cette méthode donne des portrait très flatteurs.

L’ouverture maximale
La luminosité est une considération importante pour un téléobjectif. Si on veut réaliser des photos d’action, ( le sport, par exemple, dans des gymnases ou des arénas ) il vaut mieux un objectif le plus lumineux possible. Ainsi on obtiendra des vitesses d’obturation assez élevées pour arrêter le mouvement. Tout spécialement pour le sport, attendez-vous à utiliser des valeurs ISO élevées, car en plus de la vitesse, vous aurez besoin de la profondeur de champ additionnelle que l’on obtient autour de f/8 ou f/5,6.

Évidemment, avec des sujets plus statiques, comme par exemple pour le portrait, vous profiterez aussi des ouvertures plus grandes pour vraiment isoler vos sujets.

La stabilisation d’image est un atout important, puisqu’elle vous permet de faire des photos à des vitesses relativement basses même si vous utilisez de longues focales. Mais attention! Tout est relatif. Avec les capteurs haute résolution, vous avez intérêt à maintenir des vitesses très élevées pour profiter au maximum des millions de pixels de votre capteur.

Il fut un temps où l’on suggérait aux photographes une vitesse d’obturation au moins égale à la longueur de l’objectif: ainsi, par exemple, 1/250e de seconde et plus pour un objectif de 200mm, etc.

Les stabilisateurs permettent aujourd’hui d’obtenir des images raisonnablement nettes à des vitesses moins élevées, et ils sont très utiles si vous avez oublié de traîner un trépied. Mais si vous les examinez de près, les photos prises à plus haute vitesse seront incontestablement plus nettes. Faites vos propres tests et notez les vitesses qui donnent les meilleurs résultats.

Si vous êtes un amateur avancé, il y a de fortes chances que vous fassiez vos photos en fichiers RAW. Ce format existe en plusieurs variantes selon les fabricants, Nikon, par exemple, appelle ces fichiers des NEF, tandis que Canon leur attribue le suffixe CRW ou CR2. Dans tous les cas, le fichier RAW contient tout ce que le capteur a capté, ce qui assure que le photographe dispose du maximum de matière brute pour faire son image.

Le photographe doit ensuite traiter les fichiers RAW pour en faire des photos JPEG ou autres. On parle alors de «chambre noire» numérique ou de «développement».

La notion d’«exposer vers la droite» est une idée qui est née de la photographie numérique. Les capteurs numériques ont la capacité d’enregistrer une bonne gamme de luminosités, mais il arrive un point où les ombrages sont trop noirs et n’ont plus de détails. La même chose s’applique aux zones les plus lumineuses, qui deviennent des zones blanches d’apparence transparente.

Lire l’histogramme
Une bonne photo utilise au maximum la gamme des tons «utiles» qui se trouvent entre les deux, et les photographes doivent ajuster leur exposition pour que leurs sujets se retrouvent dans cette gamme.

Les appareils numériques affichent pour chaque image un histogramme, un tableau statistique des tons contenus dans l’image: les tons foncés sont à gauche, et les tons pâles, à droite. Une photo de densité moyenne donnera un histogramme où la majorité des tons sont au centre, donc une courbe dont le sommet sera au centre de l’échelle. Une surface blanche exposée normalement donne un histogramme très centré, car toutes les valeurs sont moyennes. Évidemment, si vous photographiez en plein cadre une surface blanche uniforme, votre posemètre vous donnera une image grise: il est conçu pour cela!

Éviter le «bruit»
Afin d’éviter le «bruit» optique qui est généré dans les basses lumières (et qui s’amasserait du côté gauche de l’histogramme), certains photographes choisissent de surexposer leurs images jusqu’à un certain point, de façon à déplacer l’histogramme vers la droite. Lors de la transformation des fichiers RAW en images, ils effectuent ensuite une correction visant à rétablir le détail et la texture dans les hautes lumières...et les zones d’ombre sont sans bruit!

Il faut cependant être prêt à vivre avec deux principaux inconvénients. D’abord, le risque de «brûler» les hautes lumières est plus élevé, ensuite, la correction d‘exposition requise sera plus prononcée, puisque la photo exposée «à droite» aura initialement l’air surexposée dans le moniteur de votre appareil.

Vos tests et votre expérience vous diront si vous appréciez cette technique. L’internet regorge d’informations et de commentaires sur le sujet. Une simple recherche sous le vocable ETTR vous permettra de trouver de nombreux exemples et toute une gamme de points de vue.

Il y a toujours eu des autoportraits, et ils ont toujours révélé des choses inattendues. Comment faire autrement quand l’auteur de la photo est aussi son sujet principal?

Van Gogh, dont les autoportraits sont aussi magnifiques que troublants, s’est peint lui-même à au moins 43 reprises. Lui et beaucoup d’autres peintres, dont Rembrandt et Goya, pourraient donc être considérés comme les pères du «selfie».

Décider de faire son autoportrait, c’est une façon exceptionnelle d’apprendre et d’expérimenter beaucoup des techniques et des caractéristiques de l’art du portrait. Non seulement le feedback est-il instantané, mais mieux encore, vous avez le contrôle total de votre modèle, vous ressentez toutes ses émotions face à sa propre image, et en prime, votre sujet ne s’impatientera pas plus vite que vous!

Ne vous étonnez pas si vous trouvez que vous ne vous ressemblez pas: si vous êtes comme la plupart des gens, vous voyez votre visage 99% du temps dans un miroir. Votre photo, qui reflète pourtant la réaiité, peut donc facilement vous sembler inversée. Voilà. Vous commencez à peine, et déjà vous savez un peu mieux ce que vivent vos modèles.

Vous pouvez tout essayer
Amusez-vous un peu, et ensuite, prenez des notes. Comparez vos poses avec les bras pendants versus celles où vous les appuyez. Jouez avec la position de vos mains. Variez vos vêtements. Placez votre corps face à la caméra ou tournez-le de travers, tournez la tête légèrement sans quitter la lentille des yeux. Inclinez-vous vers la caméra, et ensuite un peu vers l’arrière. Faites un tableau des combinaisons que vous jugez gagnantes et vous serez mieux préparé la prochaine fois que vous ferez des photos de quelqu’un.

Enfin, tirez une leçon utile des milliers de «selfies» que l’on voit tous les jours. D’accord, la majorité des «selfies» sont pris à la sauvette, sans la qualité d’image et la richesse de détail que donne une vraie caméra. Mais le style spontané et direct reflète presque toujours un contexte, un lieu, un événement ou une personne. Tirez-en des leçons pour créer des contextes visuels intéressants pour vos portraits sérieux.

Retenez quels indices visuels vous font dire «cette photo est prise au resto», ou «cette photo est prise à un événement sportif», ou encore «cette photo est prise à un endroit connu». Des indices visuels de la sorte peuvent enrichir tout autant vos portraits plus formels.

Avec un peu de préparation et un appareil de qualité, vous réaliserez des photos que vous partagerez avec amusement. Et vous apprendrez beaucoup!

Après avoir sombré dans l’oubli un certain temps, les objectifs 50mm font un retour.

Sans doute que la nostalgie y est pour quelque chose, ou encore le désir de se rapprocher d’une forme de photographie plus pure. Mais en termes plus pratiques, la popularité du 50mm est grandement aidée par le fait que ces objectifs sont abondants, relativement peu chers et disponibles dans toutes les gammes, du simple au sophistiqué, du complètement automatique au 100% manuel.

Quand on sait que les DSLR aujourd’hui sont majoritairement livrés avec des zoom qui offrent une énorme flexibilité, comment expliquer ce goût de certains photographes pour des objectifs à focale fixe?

Un objectif «normal»
D’abord, il faut rappeler que durant de nombreuses années, en fait tout le temps où le film 35 mm dominait la photographie, un 50mm était un objectif «normal». Normal dans la mesure où son angle de vision correspond à peu près à celui où un humain concentre son attention.

Les appareils photo étaient donc tous livrés avec un 50mm, les fabricants en ont produit des millions.

Comparé à un zoom, une focale fixe offre généralement une qualité optique supérieure et une plus grande luminosité. Attention: il ne faut pas conclure pour autant que les zoom sont de mauvais objectifs, mais les zoom font des compromis pour nous offrir la possibilité d’utiliser un objectif unique qui est à la fois un grand-angle, un «normal» et un téléobjectif.

Par contre, la commodité du zoom est indiscutable. Un seul objectif à traîner partout, qu’on peut utiliser dans toutes les conditions, c’est de loin moins encombrant qu’un sac avec trois ou quatre objectifs qu’on passera son temps à monter et démonter de sur la caméra. D’autant plus que le gain en qualité d’image est marginal.

Des atouts créatifs
Mais au-delà de la qualité d’image, et de la commodité, il faut considérer aussi la nature même des images, et tout le potentiel créatif des grandes ouvertures et de la profondeur de champ restreinte. Une 50mm avec une ouverture de f/1,8 (ou encore mieux, une f/1,4) offre la possibilté de rendre le sujet très net et de rendre tout l’environnement flou. En prime, les amateurs de bokeh seront gâtés puisque tous les points de lumière hors foyer prendront un aspect diffus très apprécié.

Il faut bien admettre aussi que l’utilisation d’une focale fixe oblige à «zoomer avec ses pieds», c’est-à-dire s’approcher ou s’éloigner du sujet pour agrandir ou rapetisser le cadrage.

Équipé d’une 50mm et de rien d’autre, vous serez contraint de bouger vos pieds constamment à la recherche de nouveaux cadrages, points de vue et perspectives. Ça aussi, c’est de la pure photographie. Essayez-le!

Voyez petit, voyez macro!

La macrophotographie, c'est l'art de photographier des sujets extrêmement petits. C'est un domaine qui a ses exigences, ses techniques, ses équipements et ses propres stratégies de prise de vue. Mais si vous avez la passion, la macro vous offrira des heures de plaisir photographique, ainsi que des images époustouflantes d'un monde qui passe souventinaperçu.
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Macro ou non?
Il n'y a pas de critère standard pour définir ce qui est macro et ce qui ne l'est pas. Vous trouverez le mot macro utilisé pour à peu près tous les appareils photo qui ont la capacité de photographier des objets de très près.
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Si le mot macro évoque des équipements élaborés pour les photographes avancés, on trouve tout autant d'appareils de base qui affichent des modes macro. Malgré leurs commandes simplifiées, les appareils de poche ont une capacité macro surprenante, un avantage que leur procure leur capteur plus petit.
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La macrophotographie est une technique et un état d'esprit. Elle exige la patience d'observer le monde de près et d'être attentif aux détails. Les fleurs, les insectes, les petits objets sont tous des sujets qui deviennent intéressants quand on les observe de près, tout comme les cristaux, les bulles dans les liquides, la fumée, etc.
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Des heures de patience… et de découverte
Les limites sont celles de votre imagination ainsi que du temps et de l'argent que vous investirez dans la macrophotographie. Certains photographes s'en tiennent à des équipements assez simples, mais passent quand même des heures de plaisir en observant la nature.
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Une fois que l'on découvre tous les sujets que la macro nous permet de capter, on doit décider jusqu'où on veut aller dans le perfectionnement technique, et il y en a pour tous les goûts.
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Certains photographes seront parfaitement satisfaits de photographier des fleurs, des plantes, et certains autres petits objets. Dans une certaine mesure, on peut y arriver sans équipement spécialisé. En plus des appareils de base, la conception de certains objectifs zoom offerts sur les DSLR leur vaut une capacité macro intéressante.
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L'équipement spécialisé
L'étape suivante est l'achat d'un objectif macro proprement dit. C'est, si on veut, la pièce maîtresse. Ces objectifs spécialisés ont la capacité de photographier des objets très rapprochés, à quelques pouces de la caméra, et sont tout aussi capables de prendre des photos régulières de sujets extérieurs.
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Ils sont offerts en plusieurs focales, ordinairement de 50mm jusqu'à 180mm. Si vous photographiez des sujets vivants, vous gagnerez à utiliser une focale plus longue car elle vous permettra de rester plus loin de votre sujet, donc de ne pas le déranger.
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Vous pouvez aussi augmenter la capacité de votre objectif macro en utilisant des tubes d'extension ou encore des filtres de rapprochement à dioptrie, connus en anglais sous le nom de «close-ups».
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Les tubes d'extension portent bien leur nom: ils sont vides et ne font qu'augmenter la distance entre l'objectif et le capteur de votre caméra dans le but d'augmenter le facteur de grossissement. Quant aux filtres de rapprochement, ils permettent eux aussi plus de grossissement, mais en introduisant encore plus de verre entre le sujet et le capteur, ils augmentent les chances de distorsion et de diffraction, causes d'une image moins nette.
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Gare à la mise au point
À la prise de vue, la mise au point est cruciale et il faut rechercher les sujets les plus stables possibles puisque la profondeur de champ est extrêmement limitée. Dans l'un des clichés fournis en exemple, les pétales de la fleur sont hors foyer à cause de la faible profondeur de champ.
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Ce besoin de profondeur impose de petites ouvertures de diaphragme. Évidemment, la stabilité de l'appareil devient critique car le moindre mouvement peut rendre l'image floue - même le mouvement d'appuyer sur le déclencheur. Cette contrainte requiert un bon trépied, de même qu'un déclencheur à retardement ou une télécommande pour déclencher sans toucher à la caméra.
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Si la macrophotographie vous intéresse, dites-vous bien que vous n'êtes pas seul. Votre marchand local peut vous conseiller et, dans bien des cas, vous offrir des cours. Et recherchez un club de photo dans votre localité, vous y trouverez habituellement un ou plusieurs adeptes de macro qui se feront un plaisir de vous épauler.

Les couchers de soleil fascinent les humains depuis… des lunes!

Même s'ils se ressemblent, ils créent des occasions de photo exceptionnelles à chaque fois. Et le spectacle est différent tous les jours. Faire de bonnes photos du soleil couchant est à la portée de tous les photographes, à condition de prendre quelques précautions de base, de bien se préparer, et de faire preuve de patience.
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Préparez la prise de vue
Pour savoir exactement où le soleil se couchera et à quelle heure, il suffit d'observer un peu et de vérifier les heures de lever et coucher sur votre site météo préféré. N'oubliez pas que les 30 minutes avant et après l'heure prévue sont les plus intéressantes.

Il existe aussi des applications pour appareils mobiles qui peuvent vous donner l'axe précis du coucher ou du lever du soleil à n'importe quel endroit sur terre. The Photographer's Ephemeris et LightTrac sont parmi les plus connus.
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La composition
Évidemment, on pense souvent à la mer. Un plan d'eau est un excellent avant-plan qui reflétera le ciel et donnera de belles images.
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Mais n'hésitez pas non plus à isoler des sujets devant le soleil: ils apparaîtront en silhouette. N'oubliez pas non plus que même avec un soleil couchant, les photos qui montrent un immense paysage seront toujours plus intéressantes avec un sujet quelconque à l'avant-plan pour créer de la profondeur.
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Recherchez aussi des lignes qui pourraient guider l'oeil vers votre sujet. Prenez la peine de bien choisir la position de votre caméra et n'oubliez pas de veiller sur la position de l'horizon dans votre photo. À moins de rechercher un effet de symétrie, il faut choisir entre le ciel ou l'avant-plan, et placer l'horizon en haut ou en bas du cadre de façon assez marquée.Attention à la balance des blancs.
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La balance des blancs de votre appareil est un autre facteur important. Normalement, la balance des blancs automatique de votre caméra cherche à procurer une lumière neutre qui ressemble à la lumière du jour: c'est justement ce que vous ne souhaitez pas au coucher dusoleil.
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Il faut régler manuellement votre balance des blancs pour éviter que votre appareil ne cherche à annuler les variations de couleur qui, justement, font le charme de la photo. Faites des expériences avec les différent réglages et vous trouverez rapidement une combinaison qui vousconvient. N'ayez pas peur de recommencer souvent: il y a un coucher de soleil tous les soirs!
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Réglez l’exposition
Enfin, on ne peut parler de photograpier le coucher de soleil sans parler de l'exposition. Ce type de prise de vue est toujours un défi technique à cause de l'écart entre la luminosité directe du soleil lui-même et les divers sujets qui se retrouvent devant, en contre-jour.
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Il faut à tout prix éviter que le soleil ne devienne une grosse tache blanche sans texture. Encore une fois, il vaut mieux expérimenter. Certains appareils simples ont un mode «coucher de soleil» ou encore un mode «contre-jour», tandis que les appareils plus complexes permettent de sous-exposer automatiquement. Les photographes plus avancés préfèreront parfois choisir manuellement l'exposition. Encore une fois, expérimentez et vous découvrirez avec le temps les réglages qui vous satisfont.
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Une dernière note: le coucher du soleil est un spectacle fascinant, mais ne vous laissez pas hypnotiser par ce qui se trouve devant vous, même si c'est très beau. Il y a fort à parier que l'éclairage rasant et les tons chauds de la lumière donnent une toute autre allure à tout ce qui vous entoure: encore des occasions de photos!

Tout est différent la nuit. Il suffit de sortir marcher dans l'obscurité pour sentir tout le changement d’ambiance qui se produit. Il y a la tranquillité, les silences, et, ce qui nousintéresse encore davantage, la lumière.
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Les tons chauds du soleil et les bleus du ciel sont remplacés par le clair de lune, et la couleur devient moins saturée. À moins de se trouver en pleine nature, on se retrouve aussi entouré de nombreuses sources de lumière artificielle. Des lieux familiers deviennent méconnaissables. L'ombre et la lumière se disputent notre champ visuel. Partout autour de nous le paysage est transformé.
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Quelle formidable opportunité de faire des photos, que vous dites? Vous avez raison! Évidemment, cela exige certaines précautions techniques: faisons une «check-list» des points àconsidérer.
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Des sources de lumière multiples
D'abord, la balance des blancs. L'ajustement de la balance des blancs est facile à oublier. Pas étonnant parce qu'à la lumière du jour, le réglage AUTO des appareils fonctionne très bien. Même les amateurs avancés et les pros ont tendance à utiliser la balance des blancs automatique car les fichiers RAW qu'ils utilisent sont ajustables au post-traitement.
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La nuit, il faut des précautions supplémentaires pour obtenir l'effet que vous souhaitez. D'abord, le ciel lui-même n'est jamais tout à fait noir, spécialement si vous exposez pour qu'on en perçoive les lueurs. Il est préférable d'expérimenter.
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Ce qu'il faut surtout retenir au sujet des couleurs la nuit, c'est que la grande majorité des scènes, spécialement les paysages urbains, seront éclairés par beaucoup de sources lumineuses différentes. L'éclairage de rue, celui des magasins, les lumières domestiques et leclair de lune se mélangent.
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Il n'y a pas nécessairement de «bon» ou de «mauvais» rendu des couleurs nocturnes, mais certaines sources lumineuses peuvent provoquer des teintes indésirables. Les caméras offrent habituellement quelques choix en plus du «A» de la sélection automatique. Assurez-vous d'obtenir un résultat qui vous plaît en essayant les diverses options manuelles.
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En quête de lumière
Qui dit photo de nuit dit aussi faible lumière. Cela implique que vous voudrez probablement augmenter l'indice ISO de votre appareil et que votre vitesse d'obturation sera plutôt lente. C'est donc essentiel d'être muni d'un trépied, ou encore, au minimum, d'un endroit stable pour poser la caméra pendant la prise de vue.
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Pensez aussi à utiliser votre déclencheur à retardement ou une télécommande pour éviter de faire bouger l'appareil en pesant sur le déclencheur. Certains appareils à mise au point automatique refuseront de déclencher s'ils ne «voient» pas de sujets sur lequel faire la mise aupoint: il faudra alors faire une mise au point manuelle.
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Même si les capteurs sur le marché d'aujourd'hui sont remarquables, ils ont des limites en faible lumière. Au delà d'un certain indice ISO, la qualité de vos images en souffrira. La plupart des appareils ont un seuil maximum à ne pas dépasser: faites quelques tests dans le confort de votre maison afin de trouver le seuil que vous jugez acceptable. Ainsi, sur le terrain, vous saurez à quoi vous en tenir.
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Contrôlez le bruit
Et même si vous prenez des précautions en choisissant la valeur ISO, il y aura probablement des zones très sombres dans vos images où vous verrez apparaître des minuscules points blancs ou colorés. Ces points sont produits par des pixels qui n'arrivent pas à former une image parce qu'ils ne reçoivent pas assez de lumière. On dit alors qu'ils créent du «bruit», un peu à la manière d'une vieille radio qui n'est pas sur la bonne fréquence.
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Beaucoup de caméras ont des réglages destinés à atténuer l'effet du «bruit» optique. Consultez votre manuel et assurez-vous de les utiliser. La majorité des logiciels de post-traitement ont aussi des outils de réduction de bruit. Si vous faites beaucoup de photos nocturnes, il se vend même des «plug-ins» spécialisés à cet effet.
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Gare à l’ouverture
Enfin, on serait tenté de choisir l'ouverture du diaphragme qui résulte de la vitesse et de l'indice ISO de son choix, mais il faut aussi considérer l'effet du diaphragme, non seulement sur la profondeur de champ, mais aussi sur le rendu des sources lumineuses ponctuelles qui se trouvent dans votre cadrage.
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Selon l'ouverture du diaphragme, une simple ampoule lumineuse peut devenir une ou plusieurs sphères lumineuses perdues dans le fond de l'écran, ou encore prendre la forme d'une étoile qui irradie de la lumière sur toute la photo. Testez le rendu que vous obtenez avec diverses ouvertures et vous apprendrez vite à contrôler cet effet.

Si tout cela semble un peu compliqué à première vue, vous serez vite récompensé de vos efforts en réalisant des photos vraiment remarquables. Et en observant vos résultats, vous raffinerez vite votre technique ...et deviendrez un maître de l'obscurité!

Des caméras qui se fixent sur un casque, sur un hélicoptère télécommandé ou des caméras miniatures qui peuvent visiter la plomberie de votre maison… On voit de nos jours des images prises dans des endroits jusqu’alors insoupçonnés.
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La plupart des caméras sur le marché sont beaucoup plus légères que par le passé et elles saisissent de la vidéo de très bonne qualité à un prix relativement bas. C’est donc tout naturel de donner libre cours à sa créativité sans risquer de la perdre à tout jamais.
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Les mouvements de caméra et les prises de vues faites dans tout autre angle qu’à environ cinq ou six pieds du sol ajoutent énormément d’intérêt à une vidéo par le simple fait qu’ils permettent de transporter le spectateur là où ses yeux ne peuvent peut-être pas aller.
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C’est ainsi que les nombreux dispositifs de fixation disponibles sur le marché, allant du minitrépied au drone commandé avec son téléphone intelligent, sont autant de possibilités qui étaient autrefois réservées aux professionnels du cinéma.

Deux gadgets à essayer pour commencer
Les deux accessoires qui vous permettront d’expérimenter beaucoup sont un minitrépied flexible suffisamment solide pour supporter le poids de votre caméra, et une ventouse dotée d’une vis pour fixer votre appareil.
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Avec le trépied, vous pourrez déposer votre caméra presque n’importe où sans qu’elle ne touche le sol ou la fixer à un poteau. La ventouse vous permettra de placer votre appareil surpres que toutes les surfaces lisses, incluant des pare-brise de voiture ou tout autre véhicule roulant de votre préférence.
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Une courte séquence vidéo en guise de test vous permettra de constater ce que vous captez de neuf avec ces accessoires et il n’en tiendra qu’à vous ensuite de l’utiliser au moment opportun pour capter des moments spéciaux, dans un angle extraordinaire.
Essayez-le au ralenti
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Si la séquence que vous retenez se passe à une vitesse élevée et que la caméra n’était pas très stable au moment de la prise de vues, utilisez le ralenti. Pour obtenir un ralenti de meilleure qualité, il faut choisir la cadence d’images la plus élevée disponible dans votre caméra, parfois de 60 ou même de 120 images par seconde.
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Quand vous visionnerez votre séquence à 30 images par seconde, vous obtiendrez beaucoup plus de détails dans votre ralenti, parce que vous disposez jusqu’à quatre fois plus d’images que nécessaire pour maintenir l’illusion du mouvement.

1. Réglez la qualité au maximum
On ne sait jamais ce que vous capterez avec votre caméra! C’est pourquoi on vous recommande d’utiliser toujours la meilleure résolution disponible pour faire vos images vidéo. Ce qu’on appelle FullHD donne une image de 1920 pixels de large par 1080 de haut et plusieurs appareils tournent de la vidéo à cette qualité.
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Quant aux cartes mémoire, si elles sont de format SD, elles doivent être au moins de la Classe 6 pour vous assurer un enregistrement fiable des données, quoique les cartes de Classe 10 et les UHS 1 sont encore plus rapides. Vous devriez aussi toujours en avoir une deuxième dans votre étui de caméra.

La cadence d’images vidéo standard en Amérique est de 30 images par seconde. Si votre appareil vous en offre plus, cela fera de meilleurs ralentis pour étudier votre élan de golf, par exemple.

2. Tournez à l’horizontale
Puisque les télés et les moniteurs d’ordinateurs ne se tournent pas facilement à la verticale, on vous recommande de tourner le plus souvent possible à l’horizontale. Même si votre vidéo est destinée à l’internet, le rectangle pour la visionner sera horizontal. Pensez cinéma!

3. Surveillez la balance des blancs
Quand vous faites des photos, il arrive parfois que la balance des blancs automatique de votre appareil se fasse jouer par des sources de lumière de couleurs différentes. Si la photo est essentielle, il est possible de corriger les couleurs pour qu’elles reprennent une teinte à peu près normale.

En vidéo, la retouche de couleurs est un procédé beaucoup plus difficile à rendre avec succès puisqu’on a affaire non pas avec une seule image, mais bien 30 pour chaque seconde de vidéo. On vous recommande donc de choisir une balance de blancs qui rend des couleurs naturelles à chaque prise que vous faites. Si vous changez de décor, n’oubliez pas de changer la balance des blancs.

4. Réduisez l’ISO au minimum
Essayez de privilégier la sensibilité la moins élevée possible pour toutes les vidéos que vous faites. Cela vous donnera des images plus riches, moins «granuleuses», même quand la lumière est plus faible.

Si vous laissez la caméra travailler en mode automatique, votre appareil augmentera la sensibilité du capteur dès que la lumière commencera à faiblir.

5. Essayez l’exposition manuelle
Si votre appareil vous le permet, tentez de faire votre vidéo en manuel. Cela empêchera la caméra de modifier l’exposition dans des circonstances changeantes. Vous choisissez donc de bien exposer ce que vous voulez montrer dans l’image.

Si l’arrière-plan est surexposé, on verra au moins la personne que vous filmez. Si vous laissez la caméra exposer toute seule, elle pourrait très bien choisir d’exposer pour le ciel et votre «vedette» se retrouvera dans l’ombre.

6. Surveillez la mise au point automatique
La mise au point automatique dans les modes vidéo d’un appareil photo n’est pas toujours très performante et parfois même bruyante, ce qui n’est pas très agréable si vous captez du son…

Si cela vous est possible, faites la mise au point sur votre sujet avant de commencer à enregistrer et n’y touchez plus. Vous devrez toutefois rester à une distance fixe de votre sujet. S’il avance d’un pas vers vous, reculez d’un pas.

7. Enregistrez plusieurs petits morceaux
Il vous est déjà arrivé d’avoir à regarder cinq minutes de vidéo pour retrouver les 15 ou 30 secondes qui sont vraiment intéressantes? Saisissez de petites séquences et arrêtez d’enregistrer quand il ne se passe rien.

Ce sera plus simple de montrer les clips vraiment pertinents à d’autres après, et plus rapide pour classer vos images si vous en faites un montage par la suite.

Et le son?
Les microphones qui sont inclus dans les appareils photo captent tout ce qui se passe autour de la caméra et parfois même ce qui se passe dedans. Pour enregistrer du son de qualité, pour des entrevues par exemple, essayez d’utiliser un micro externe que vous brancherez dans votre appareil, s’il vous le permet.

Ce ne sont pas toutes les photos que l’on prend qui sont mémorables. Sur les centaines d’images qui s’accumulent dans votre disque dur, il y en a assurément quelques-unes qui méritent d’être vues, au moins par les gens de votre entourage.

Rien ne remplace une image que l’on fait agrandir, que l’on place dans un cadre assorti et qu’on accroche sur un mur. Ou un assemblage des meilleures images d’un événement d’importance.

Mais quand on veut en montrer plusieurs, des dizaines, partager les photos d’une fête ou retracer la vie d’une personne à l’occasion d’un anniversaire, il peut être intéressant d’assembler un diaporama qu’on peut ensuite diffuser en vidéo.

Choisir le début, choisir la fin
Plusieurs services sont disponibles pour bâtir ces présentations de façon automatique, mais comme tout ce qui est automatique, cela donne parfois des résultats plus ou moins satisfaisants. Que vous utilisiez un service automatique ou que vous placiez chacune des images à la main, voici quelques conseils pour structurer une présentation intéressante.

Comme pour un film, la première image d’une présentation est au moins aussi importante que la dernière. Pour la première, c’est elle qui appellera l’attention de vos spectateurs. Pour la dernière, c’est plutôt le souvenir qu’ils garderont de votre «oeuvre».

C’est donc d’autant plus important de choisir vos deux images les plus fortes pour commencer et terminer votre travail. Ce sont aussi les images que vous montrerez le plus longtemps.

Alors qu’on établit à 4 secondes la durée d’affichage standard d’une image dans une présentation, vous pouvez vous permettre de montrer le début et la fin pour 8 ou 10 secondes. Cela montrera à vos spectateurs que vous insistez sur ces images et qu’elles sont importantes.

Avec de la musique
Si vous avez beaucoup d’images, vous pouvez maintenant estimer la durée de votre présentation. En appliquant la règle des 4 secondes par image, vous savez maintenant que votre présentation durera 3 minutes 12 secondes si vous avez 48 photos.

En ajoutant la dernière et la première, que vous afficherez plus longtemps, on arrive à une durée de 3 minutes 32 secondes. C’est à peu près la durée d’une chanson, qui sera d’autant plus facile à choisir si vous avez une estimation de la durée de votre présentation.

De la qualité, à l’horizontale
En matière de qualité, vous avez un très grand avantage lorsque vous assemblez une présentation photo en vidéo. La haute définition 1080 affiche un peu plus de 2 mégapixels sur un écran ou une télé. Puisque les photos d’aujourd’hui comptent pour la plupart au moins 8 mégapixels, vous avez tout le loisir de resserrer les cadrages pour insister sur les éléments importants de chaque photo.

Vous devrez aussi vivre avec la réalité de votre présentation: elle sera affichée sur un écran horizontal. Tentez donc de recadrer vos images prises à la verticale pour qu’elles occupent le plus d’espace sur votre écran. Ce sont vos spectateurs qui en seront ravis, puisqu’ils pourront peut-être voir des détails sur des photos qu’ils connaissaient déjà...

Dans la vie de tous les jours, il est très rare que l’on considère la lumière qui nous entoure. Si on ne voit pas bien, on allume une lampe ou on attend que nos yeux s’ajustent, pour les plus paresseux d’entre nous.

Or, quand on doit faire des images, il devient primordial d’aiguiser son sens de la lumière afin de mieux contrôler celle qui se rendra dans votre cadrage. C’est ce que nous appellerons: placer notre cerveau en mode «directeur photo», pour reprendre un terme de cinéma.

Une bonne façon d’apprivoiser et de contrôler vos prises de vues est de surveiller d’où provient la lumière qui éclaire votre cadrage et d’en reconnaître la source. En effet, toutes les lumières ne sont pas égales pour l’oeil d’une caméra.

Contre-jour = écart d’exposition
Pour montrer les nuances que l’on peut créer lorsqu’on place une personne dans le cadrage, nous avons utilisé une poupée.

Dans l’image de gauche, elle est placée à l’ombre et le soleil est derrière elle. Comme l’arrière-plan est beaucoup plus lumineux que son visage, elle pourrait avoir l’air de nous parler d’un secret. C’est d’ailleurs ce procédé, poussé à l’extrême, qui est utilisé dans les reportages télé où des personnes se confient de façon anonyme.

Dans l’image du centre, le ciel était couvert, ce qui donne une exposition plus égale de son visage et de son environnement, plutôt neutre. Dans l’image de droite, on distingue l’ombre de son chapeau sur son front. Et si la poupée était humaine, elle aurait sans doute plissé les yeux puisqu’elle faisait directement face au soleil. Cette approche vous donnera une image plus égale de l’avant-plan à l’arrière-plan, mais n’est pas toujours confortable pour vos interlocuteurs. Et attention de vous placer pour ne pas qu’on puisse voir votre ombre et celle de votre caméra au sol.

Choisir la teinte en fonction de votre sujet
Selon votre réglage de balance des blancs, certaines de vos images seront bleues, vertes, jaunes ou même rosées. C’est à ce moment que votre directeur photo intérieur doit faire son travail. Il peut être extrêmement difficile de corriger des teintes de couleur dans des séquences vidéo. Autant le faire sur les lieux, au moment où vous tournez vos images.

La meilleure façon d’obtenir de bons résultats est de fixer manuellement la balance de blancs en fonction de la source lumineuse qui éclaire votre sujet. Si vous tournez à l’intérieur avec un sujet éclairé par une source incandescente ou fluorescente, vous devriez privilégier un réglage identique.

Même s’il y a une fenêtre dans votre arrière-plan et qu’on y distingue l’extérieur éclairé par la lumière du jour, votre sujet est à l’intérieur et c’est lui qui sera le centre d’attention de votre image. Si votre balance de blancs est réglée pour la lumière du jour, l’intérieur sera jaune si l’éclairage est incandescent ou vert s’il est éclairé par des fluorescents. À moins que vous choisissiez de donner une teinte jaune ou verte à toutes vos images prises à l’intérieur, pour qu’on les distingue bien de celles que vous faites à l’extérieur.

C’est là que s’opère l’art de votre directeur photo intérieur: faire des choix conscients basés sur des expériences avec les paramètres de votre caméra! Et si vous oubliez de changer votre réglage de balance de blancs quand vous changez d’environnement, vous pourrez toujours dire que vous avez tourné ainsi au nom de l’art cinématographique...

Comme pour la photo, il ne se fait pas de vidéo sans lumière. Elle est nécessaire pour rendre les images dans votre caméra. Voici quelques trucs à utiliser dans différentes situations pour cueillir le plus possible de lumière même lorsqu’elle se fait rare.
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Le soir, dehors
Vous prenez une marche par un beau soir d’été. L’activité de la rue vous interpelle et vous aimeriez immortaliser le moment par une courte vidéo de quelques plans?
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L’une des premières choses à vérifier dans cette situation, c’est la sensibilité maximale à laquelle vous pouvez tourner tout en maintenant un rendu qui reste acceptable pour vous. Si le capteur de votre caméra est d’une bonne taille, comme dans un réflex numérique (DSLR) par exemple, vous devriez vous en tirer à ISO 1600. Au-delà de ça, c’est à vous de juger car lebruit généré par l’amplification du signal peut être désagréable.
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Évidemment, ce ne sont pas tous les appareils qui permettent de régler la sensibilité en vidéo. Parfois, le seul paramètre réglable est l’ouverture de l’objectif. Si la scène ne se déploie passur une très grande profondeur par rapport à votre caméra, privilégiez la plus grande ouverture possible. Cela réduira la zone de netteté dans l’image, mais vous aurez un rendu tout de mêmeagréable à regarder.
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Pour les plans plus serrés, essayez de choisir des sujets qui sont à la portée de l’éclairage extérieur. Ainsi, vous réduisez les chances que votre appareil photo aille puiser dans les sensibilités les plus élevées.
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Un tour de magie dans la maison
Un de vos amis a un tour de magie spectaculaire à vous montrer après le dessert? C’est le moment de sortir votre caméra!
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Le meilleur conseil à vous donner dans cette situation est d’allumer des lumières. Combien? Le plus possible, et pas seulement celles qui sont à proximité de votre sujet. Le fait d’avoir de la lumière dans l’arrière-plan de vos images vous évitera d’avoir des ombres trop prononcées et d’isoler votre magicien amateur.
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À la fin de son numéro, le fait d’avoir allumé le plus de lampes disponibles permettra aussi à votre caméra de distinguer la réaction des spectateurs, que le magicien ait réussi son tour ou non.
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Exploration nocturne
Vous partez à la découverte d’une forêt en soirée ou vous traquez les marmottes dans votre cour arrière? Apportez une lampe frontale ou toute autre source de lumière portative pour votre expédition.
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C’est vrai, il sera peut-être un peu plus difficile de ne pas vous faire détecter par les créatures de la nuit. Mais si l’une d’entre elles tombe dans le champ de votre éclairage, vous la distinguerez très bien à l’image. Et vous aurez capté des images qui pourraient passer pour un film d’horreur(!) si vous réussissez à créer un suspense suffisant lorsque vous en ferez le montage.
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Vous pouvez aussi choisir l’angle d’attaque de la lumière sur votre environnement. Si vous éclairez des feuilles d’arbre alors que votre lampe est placée au sol, ou que vous décidez de vous servir de votre lumière comme éclairage latéral, cela peut vous donner des images originales et un point de vue inédit. Tout comme de placer une lampe puissante derrière un arbre et de voir quelles ombres en ressortent sur le moniteur de votre caméra.
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Seul conseil technique pour cette situation: surveillez votre balance des blancs et assurez-vous que le réglage est adéquat pour votre source lumineuse.

Imaginez une rue, le soir, alors que les lampadaires se reflètent sur la chaussée mouillée, et qu’un passant la traverse. Imaginez maintenant en regardant ce décor que vous entendez un piano jouer une mélodie discrète, presque triste ou nostalgique.
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Maintenant, imaginez la même rue, avec le même éclairage et le même passant. Cette fois, vous entendez un tambour grave, qui se répète plus rapidement d’un coup à l’autre.
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Dans le premier cas, vous avez peut-être songé à un amoureux esseulé, qui marche sans destination pour noyer sa peine. Dans le deuxième exemple, peut-être ce passant est-il en fait un sombre individu qui cherche à commettre un méfait…
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Shhhhh, krrrkrrr, clikclik...
Dans un cas comme dans l’autre, c’est le son qui contribue à créer l’atmosphère et le contexte de ces images. Et si vous entendiez sur ces images le son d’un objectif qui cliquète pour faire la mise au point ou un «shhhhhh» à cause du vent qui entre dans le micro, est-ce que la magie opèrerait aussi bien?
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Cet exemple tiré du cinéma ne sert qu’à illustrer à quel point le son est important lorsque vous tournez de la vidéo et l’impact que vos images peuvent avoir si vous prenez grand soin de la prise de son lorsque vous tournez des images.
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En effet, chaque fois que vous appuyez sur le bouton pour enregistrer, vous êtes peut-être en train de capter les images de la prochaine vidéo virale la plus vue au monde! Ou peut-être pas. Mais une chose est certaine, si votre son est de bonne qualité, elles ne seront que plus agréables pour ceux qui regarderont vos images par la suite.
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Micro externe ou pas?
La plupart des caméras qui font de la vidéo sont équipées d’un micro. Prenez le temps d’écouter le son que votre caméra vous donne. Si vous «entendez» les réglages internes de l’appareil, vous devriez considérer l’achat d’un micro externe.
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En fonction des modèles disponibles, vous pourrez peut-être même le brancher directement dans votre appareil. C’est un facteur à considérer sérieusement si vous pensez faire un peu de montage avec les images vidéo de votre appareil.
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Enregistrer le son sur une source externe, un enregistreur numérique ou même un téléphone intelligent, peut être une bonne solution de rechange, mais prenez garde aux fréquences d’enregistrement puisque vous aurez à synchroniser le son avec l’image au montage et cela peut devenir rapidement laborieux.
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Sensibilité faible, forte ou automatique
Avant de partir en tournage, vérifiez le type de réglages qui sont à votre disposition dans la caméra et sur votre micro externe. Si vous êtes dans un endroit bruyant, vous voudrez peut-être couper les basses fréquences pour éliminer des bruits de fond. Aussi, tentez de vous placer pour bloquer le vent, qui pourrait saturer votre micro et rendre votre son complètement inutilisable.
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Si vous êtes en mesure de tester chacun des réglages de sensibilité de votre caméra avant de tourner, cela pourrait vous aider beaucoup à maintenir une prise de son décente. Si le réglage de sensibilité faible est efficace, par exemple, vous éviterez bien des soucis si vous tournez dans un spectacle et que vous vous retrouvez tout près des haut-parleurs.

Il y a sans doute sur vos cartes mémoire des centaines de photos et de vidéos que vous avez enregistrées en vous disant que vous en feriez un jour quelque chose.

Quoi exactement? Vous ne le savez peut-être pas encore, mais voici des applications et des services en ligne, qu’on peut comparer à de petits robots spécialistes des images, qui vous aideront à mettre en forme et diffuser ces images qui dorment sur une carte mémoire ou un disque dur.
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Avant tout, sachez qu’il n’est plus nécessaire de vous acheter un logiciel pour vous initier au montage vidéo. Si cela vous intéresse, Windows et Apple vous proposent des solutions qui sont incluses lorsque vous achetez un ordinateur. Vous pouvez aussi utiliser un simple navigateur Internet et télécharger vos images dans YouTube qui propose une application simplifiée de montage.
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Des solutions prêtes-à-diffuser
Pour assembler rapidement toutes les photos et vidéos d’un événement en particulier ou de vacances, vous pouvez essayer des technologies comme Magisto, disponible en ligne, sur Android et iOS, ou Vidify, pour iOS.
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Vous donnez à ces solutions les fichiers et elles vous reviennent avec un produit prêt-à-diffuser. Si vous gardez la solution gratuite, vous disposerez d’une sortie de qualité web seulement et serez limités dans le nombre de fichiers et la longueur de la vidéo produite.
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Pour les photographes d’événements qui aimeraient explorer la possibilité de vendre des diaporamas vidéo de leurs images à leurs clients, Animoto vous offre une interface simple pour construire votre présentation, une multitude de thèmes de bonne qualité et de la musique commerciale libérée de droits d’auteur.
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Il faut toutefois aussi débourser pour avoir plus de choix et exporter ses vidéos en haute définition. Vos ventes à des clients pourraient toutefois rapidement vous permettre d’amortir ces dépenses, en plus du temps que vous sauvez si vous deviez produire ces vidéos de façon plus artisanale.
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La paresse ultime: Effets automatiques Google
Si vous disposez d’un téléphone ou d’une tablette Android récents (4.3 minimum), vous pouvez utiliser la fonction Effets automatiques de l’application Photos de Google. Vous téléchargez vos images (photos ou vidéos) dans le système, vous les sélectionnez et demandez au petit robot de vous faire une vidéo.
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Cette fonction est aussi disponible pour les appareils iOS, mais vous vous en remettez à la bonne volonté de l’application de vous générer une vidéo. C’est impossible de choisir les fichiers que vous voulez utiliser, le robot les choisit pour vous.
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Après une vingtaine de minutes d’attente, on vous propose une vidéo assemblée avec un thème graphique et de la musique, que vous pouvez enlever ou changer si vous ne les aimez pas. Les séquences vidéo plus longues ont été coupées en plusieurs morceaux par le robot pour ne garder que l’essentiel.
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Vous pouvez aussi déterminer la durée du montage ou peaufiner la proposition en allongeant ou rétrécissant les séquences choisies.
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Et voilà! Ces images qui dormaient dans votre réserve peuvent maintenant être partagées à vos proches ou vos clients, et vous n’avez pas passé deux ou trois nuits blanches à assembler ces images une par une, seul à votre ordinateur.
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Peut-être voudrez-vous ensuite réaliser des montages plus complexes où vous contrôlez toute la chaîne de production… mais pour plusieurs situations, le robot fera souvent l’affaire si vous lui faites confiance!